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Richard E. Müller interviewt Nguyen Xuan Huy.

REM: In deiner Arbeit, seit deinem Studiumabschluss bis heute, sieht man Entwicklungsphasen oder auch sprunghafte Änderungen, sowohl im Stil als auch in der Thematik. Angefangen hast du mit

NXH: Hm. Meine Muse ist launisch. Ich habe wenig Einfluss drauf. Ich meine, die Ideen kommen oft genug aus heiterem Himmel. Ich setzte mich nicht etwa vor die Leinwand und sage mir, nun male ich ein Bild zum Thema, was weiß ich, „Krieg u  So funktioniert das nicht bei mir. Die „Verkündung“ taucht oft genug blitzartig in meinem Kopf auf und dann, dann warte ich. Ich lasse die Eingebung erst einmal wirken, denn sie kann auch verführen, täuschen. Und wenn man das erst später, beim Malen merkt, ist es zu spät. Ich warte, ich lasse es wirken und die Intuition nimmt die Spur auf — alles andere folgt. Aber es läuft nicht immer glatt. Die Muse streikt ab und zu, ohne sie ist mein Kopf für die Kunst ein Taugenichts. So kommt es zu Seitensprüngen. Entweder weil das Interesse am Thema erschöpft ist und ich das Gefühl habe dass ich nur noch mich selbst kopiere oder weil meine Muse mich befeuert, weiter und in neue Gebiete einzufallen.

REM: Du mystifizierst deinen Arbeitsprozess gerne, oder?

NXH: Ja, zu gerne, meine Lieblingsversion. 

REM: Es gibt also noch andere Versionen? Eine konkretere und weniger mystifizierte vielleicht? Am Anfang ließen deine Werke deine Herkunft gut erkennen, jetzt aber kaum noch. Hat das mit deiner

NXH:  Ja, es geht in meiner Kunst immer um mich, um mich allein! Nach mir die Sintflut! (lacht). Ich bin mein eigenes Versuchskaninchen und die Grundfrage des Experiments: Wie ist es, ein Mensch zu sein.  Aber ohne die ganze Welt drumherum gibt es da kein „ich“. Also muss ich mich doch mehr oder weniger mit der ganzen Welt beschäftigen. Und es gibt da diese monumentalen, klassischen Fragen nach dem Sinn des Ganzen - was machen wir Menschen? Wo führt das alles hin? Und diese Grundfragen, sie scheinen mir nie befriedigend genug beantwortet zu sein. Und wenn man ein Atheist ist, gibt es nun mal noch viel mehr Fragen und noch mehr offene Antworten.

Als ich frisch in Deutschland ankam, war ich mir meiner Herkunft bewusster denn je. Ich bekam ja plötzlich das Attribut „Ausländer“ um den Hals gehängt. Alle fragten, woher ich komme und das

Was früher eher verschwommen war, bekam nach und nach deutliche Konturen. Mir fiel ein, was meine Eltern mir erzählt hatten: mein Vater im Krieg, ein verletzter Soldat, der meine Mutter als

Ich bin ein Jahr nach dem Krieg geboren und im Frieden aufgewachsen, aber mein Dasein wurzelt in diesem Krieg. Dieser Krieg war vorbei und ging doch auf biologischer Ebene weiter, Agent Orange immer noch im Einsatz. Für mich schlimmer als der Tod, eine neue Dimension des Grauens. Leid und Tod im Krieg gab es eh und je, aber Gendefekte, Generationen später, für die, die nichts damit zu tun hatten, noch nicht einmal geboren waren! Eine grausige Erfindung, um das Meisterwerk der Schöpfung noch spektakulärer zu verstümmeln.

Der Vietnamkrieg bedeutete für mich persönlich eine Geburtsstunde, damit fing die Reise an.  In meinen Arbeiten zeigte ich damals keine Kampfszenen, nur die Stille danach. Ich benutzte oft Dokumentarfotos, als eine Brücke zur Realität. Man braucht schließlich Geburtsurkunden, um nachweisen zu können, dass man tatsächlich da ist.

Der Geburt folgt das Aufwachsen, die Erziehung, damit du bloß ein „soziales Wesen“ wirst und kein „Tier“. Oder „Gott“ (lacht). Ich bin in einem sozialistischen Land aufgewachsen und dort zur Schule gegangen. Das Schulwesen war ein treuer Handlanger der Propagandamaschine, der kommunistischen Partei. Das Volk soll erzogen werden, da fängt man am besten mit Kindern an. Bei mir hat es damals funktioniert. Bereits im zarten Alter war ich ein überzeugter Kommunist und ein glühender Patriot, mit einem sehr naiven Weltbild von Gut und Böse. Erst in Deutschland hatte ich die Gelegenheit, all das mit anderen Augen zu sehen. Diese ideologische Zurichtung, eine eigene Züchtung, hat für mich in gewisser Hinsicht Parallelen zu Agent Orange — das eine bringt körperliche, das andere geistige Mißbildungen hervor. So kam ich auf die Idee, beides in meinen Bildern zu kombinieren. Ich wollte ein fiktive Welt ausmalen, wo Träume und oder Alpträume Tatsachen werden, wahr sind. Träume zeugen Ideale und umgekehrt, die Praxis brütet Alpträume aus. Beim diesem Transfer zwischen Ideal und Praxis gerät etwas außer Kontrolle, Grenzen, Nebenwirkungen geraden durcheinander, werden verwischt und dann — tja, dann.

REM: Träume? Wer träumt denn so was?

NXH:  Große Tiere. Aber so groß sind die dann auch nicht. Auch ich träumte als Kind davon, die Welt nach meinen Vorstellung umzukrempeln, notfalls mit Gewalt. Meine Idole waren Typen wie Dschingis Khan, Alexander der Großer, Napoleon ...Mao Zedong, Ho Chi Minh - die Ahnenreihe großer Tiere.

REM: Na so was. Und diesen Traum hast du aufgegeben? Man sieht ja, dass du doch kein Möchtegern-Welteroberer  geworden bist. Oder glaubst du etwa, mit deiner Kunst die Welt erobern und verändern zu können?

NXH:  Ich habe keine Lust, über Leichen zu gehen! Als Kind sah ich nur die eine Seite der Medaille. Über den Vietnamkrieg beispielsweise sollte ich nur wissen, wie heldenhaft die Vietnamesen gegen die ausländischen Aggressoren gekämpft hatten. Hohe Verluste unterstrichen nur das Heldenhafte des Sieges. Jetzt erspare ich der Menschheit lieber einen Held mehr. Ich mache das, was keinem weh tut. Was meine Kunst angeht, verfolge ich keine  Absichten. Es gibt da außer Eitelkeit vor allem das nackte Bedürfnis, etwas zu malen, etwas sichtbar zu machen, etwas in Bilder zu fassen. Wozu es darüberhinaus gut ist, das weiß ich nicht.

Mit aller Vorsicht würde ich nur sagen: Wenn meine Malerei tatsächlich zu etwas taugt, dann vielleicht als ein Ergänzungsangebot zum „Bildnis der Menschheit“. Was an sich nichts Neues ist und

REM: Realität? Deine aktuellen, surreal wirkenden Arbeiten scheinen ja eher der Realität zu entsagen. Wo liegt dein Bezug zur Realität?

NXH:  Einer philosophische Auseinandersetzung mit der Frage, was Realität ist, würde ich lieber nicht eingehen, schon versucht, ein weites Feld ist das! Ich bin jedoch überzeugt, dass meine Bilderwelt gar nicht so weltfremd oder surreal ist, wie sie scheint. Die Bilder sind nur etwas anders angeordnet, verwirrter vielleicht, die Alltagslogik durcheinander, der Fokus verschoben, um den Sinn des Ganzen zu sezieren - aber ein Meisterchirurg bin ich nicht. Eher komme ich mir manchmal wie ein Trottel vor, einer, der von allem Notiz nimmt, was ihm wichtig vorkommt, aber nicht in der Lage ist, das Puzzle zusammenzusetzen — er sieht die Teile, erkennt aber das Ordnungssystem nicht. Ich denke an dies, an das, aber mein Denken hat kein System, das zu systematischen Ergebnissen führt. Das Hauptergebnis ist wohl das Scheitern des vermessenen Versuchs, ein klares, übersichtliches Weltbild zu schaffen.

Und die Mythologie — so überirdisch sie sein mag, sie drückt doch schließlich menschliche Gedanken, Gefühle aus. Ich male auch nur Menschen, keine Aliens. Meine Bilder sehen oft wie Szenen gleichberechtigt sind. Der Traum als ein Widerstand, der eine einfache Erklärung der Welt ablehnt, zweifelt, sie umformt. Die Fetzen der Realitäten suchen nach ihrer Bedeutung, die es vielleicht gar nicht gibt, aber entscheidend ist das nicht. Die Suche an sich ist die Hauptattraktion! Denn letztendlich ist nicht eine plausible, einleuchtende Geschichte zu erwarten, sondern ein Ausdruck dessen, wie der Verstand im Dunkel tappt, über Steine stolpert und flucht: Verdammt! Wo bleibt mein Reiseführer! (Lacht)

REM: Und wie würdest du diese Phase bezeichnen, wenn du vorher von Geburt, Aufwachsen und Erziehung gesprochen hast?

NXH:  Aufklärung.

REM: Aufklärung? Sie sieht bei dir aber düster aus!

NXH:  Das kann sein, aber ein Pessimist bin ich nicht. Eher ein Realist. Ich versuche es jedenfalls. Ich möchte keine Apokalypse prophezeien, doch wer sagt, dass jenseits der Illusionen ein Paradies auf dich wartet? 

Ich bin kein Fan von Apokalypse oder Ähnlichem. Aber ich stelle mir oft vor: Eines Morgens wache ich wie Gregor Samsa auf und stelle fest, das ich mich „zu einem ungeheueren Ungeziefer

REM: Es riecht eher nach Verzweiflung als nach Aufklärung.

NXH:  Ja, da sind schon einige Stolpersteine, in verschiedener Größe, auf diesem Weg zur Aufklärung. Verzweiflung gehört dazu, Größe: XXXL. Daher sollte ich auch eher von einem Aufklärungsversuch sprechen. Das ist treffender. Das Ziel bleibt eine Fata Morgana, man kommt nie an. Ich jedenfalls nicht.  Aber ich gebe mir Mühe, Sysiphus zuliebe.

REM: Nun, diese Version deiner Schaffengsperioden klingt plausibel, zu schön, um wahr zu sein -alles vorher durchdacht und über Jahre erarbeitet?

NXH:  Nein, sicher nicht. Ich weiß nie, was ich als Nächstes tun werde. „Wege entstehen dadurch, dass wir sie gehen“. Und erst dann fragst du dich, was das war. Intuition ist mir beim Malen das A und O, irgendwann meldet sich jedoch der Kontrolleur. Aber ich würde das Bauchgefühl nicht vom Verstand trennen. Vielleicht gibt es so eine Grenze gar nicht und das eine ist ein Effekt des anderen.


Das ewig Weibliche

REM: Der Frauenakt ist in deinen früheren Arbeiten sehr präsent. Warum? 

NXH:  Oh, das weiß ich nicht so genau. Es ist mir selbst ein Rätsel. Wirklich, ohne Scheiß. Ich frage mich schon öfter, warum ich kaum Verlangen danach habe, beispielsweise ein Landschaftsbild oder etwas in der Art zu malen. Natürlich habe ich schon alles Mögliche  versucht, aber es wollte und wollte nicht gelingen. Das „ewig Weibliche“ hingegen…Ja und nicht zuletzt, ich habe eine Schwäche für Sinnlichkeit, mag es eine Sünde sein, ich kann die Finger nicht davon lassen (lacht).

REM: Meinst du „das ewig Weibliche zieht uns hinan“ oder „hinab“, denn deine Werke scheinen nicht nach „Höherem“ zu streben?

NXH:  Es geht mir gar nicht darum, in welcher Richtung das Männliche sich bewegt (lacht). Vermutlich eher darum eine „Gegenspielerin“ zu haben. Ohne sie kann ich das Spiel nicht anfangen. Sie ist meine essentielle Verbindung mit dieser Welt, wie Schwerkraft. Ohne sie würde ich ziellos herumschweben oder wäre selbstgenügsam wie ein Gott (lacht).

Die meisten Frauenfiguren in meinen Bildern sind für michJahrhundert haben die Dichter oft mit einer imaginären Geliebten geplaudert, um ihr eigenes Unbehagen zum Ausdruck zu bringen. Diese Geliebte gab es in der Wirklichkeit nicht, sie wurde erfunden, damit der Dichter einen Anlass hat, sich zu äußern. Diese Figuren in meinen Bildern haben vielleicht eine ähnliche Funktion.

REM: Deine Avatare?

NXH:  Ehm… ja!

REM: Das Wort „Avatar“ kommt ja aus dem Sanskrit und bedeutet „Abstieg“, was sich auf das Herabsteigen einer Gottheit in irdische Sphären bezieht.

H: Oh, das wußte ich nicht.

REM: Sind wir da nicht wieder mittendrin in deiner „privaten Mythologie“?

NXH:  Ich kenne das Wort nur im Zusammenhang mit der virtuellen Welt. Die Frauenfiguren in meinen Bildern erinnern mich oft an eine Art Nymphen. Sie bevölkern diese merkwürdige Idylle, deshalb sind sie wohl oft so „losgelöst“. Sie sind nackt, aber nicht im Sinne der Entblößung, sondern im Sinne eines Naturzustandes oder im Sinne der Unschuld.  Ja, und die Heiterkeit nicht zu vergessen! Wenn sie so unschuldig sind, können sie auch, ab und zu, glücklich sein. 

REM: Stimmt: Merkwürdige Schönheiten schweifen umher, führen Tänze auf, jagen Wild. Eine heile Welt ist es allerdings nicht.

NXH:  Nein, wohl nicht. Meine Lieblingsdramaturgie geht so: Meine Protagonisten sind wie in eine entfremdete Welt geraten, quasi in einen falschen Film. Sie wissen nicht, was mit ihnen geschieht oder was sie gerade tun. Sie können es nicht wissen oder wollen es nicht. Ich stehe ihnen zur Seite und gebe mir Mühe, ihnen trotz allem eine schöne heile Welt zu schaffen, zu malen. Aber das Ergebnis ist nicht wie erwartet, da gewisse Mächte wirken, die guten Absichten sind sabotiert. Etwas läuft schief — der Idealismus bekommt eine Ohrfeige verpasst.

REM:  Und wie erträgst du selbst diese Ohrfeige?

NXH:  Mit einer gewissen Ironie am liebsten. Was kann man sonst tun? Wenn Bilder Pathos produzieren, kann ich es nicht ertragen, also grinse ich dem Pathos ins Gesicht. So funktioniert es am besten, wenn es fehl am Platz ist.


Ost und West
 
REM: Viele deiner Bilder beziehen sich auf bekannte, ikonische Werke der Kunstgeschichte — der westlichen Kunstgeschichte, um es genauer zu sagen. Warum? Hat hier dein Studium und dein Leben in Deutschland und Europa Spuren hinterlassen?

NXH:  Ein kalkuliertes Konzept steckt nicht dahinter. Wenn ich in Vietnam geblieben wäre, hätte ich diesbezüglich vielleicht auch das Gleiche getan. Ich war bereits als Kind in Vietnam sehr an der westlichen Malerei interessiert. Viel mehr als am Holzschnitt oder der Tuschmalerei oder der Lackmalerei, was das Angebot der heimischen Traditionen gewesen wäre. Frage mich nicht warum! Vielleicht wegen der realistischen und sinnlichen Darstellung des menschlichen Körpers, was in der östlichen Tradition eher nicht erwünscht war.

So kam es, dass westliche Ikonen der Malerei auch damals schon zu meinen Ikonen wurden. Damals hatte ich den großen Wunsch, wie europäische alte Meister malen zu können. Ich sah keinen
Als Jugendlicher habe ich bereits einige Bilder der alten europäischen Meister kopiert, um zu lernen, obwohl ich damals nur schlechte Abbildung davon zur Verfügung hatte. Sie inspirieren mich bis lacht).

REM: Siehst du dich selbst nach all den Jahren als einen vietnamesischen Künstler oder als einen deutschen?

NXH:  Sowohl als auch. Oder besser gesagt: Es ist mir ziemlich egal. Am Anfang habe ich mich häufig mit Fragen meiner Identität beschäftigt, irgendwann habe ich es hinter mir gelassen. Es ist für mich einfach nicht mehr wichtig. Mich interessiert die Gattung Mensch, die Humangeographie ist nicht mein Fachgebiet, die Geburtsurkunden nicht mein Amtsbereich. Der Vogel — oder der, der einen Vogel im Kopf hat (lacht) —  missachtet alle politischen Grenzen, der braucht kein Visum oder Abstammungspapiere. Er landet dort, wo er sich wohl fühlt.
 

Waiting until Heaven is Done II, 2018, Öl auf Leinwand, 270 x 190 cm

Waiting until the Heaven is done III, 2018, Öl auf Leinwand, 270cm x 190cm

Hypnos
14. September – 2. November 2019

Zur Eröffnung mit dem Künstler am Samstag, 14. September um 20 Uhr laden wir Sie herzlich nach Erfurt ein. Parallel zeigen wir eine Präsentation mit neuen Werken von Nguyen Xuan Huy.

Collagen sind Ausgangspunkt der Malerei von Grigori Dor: Bildfragmente analoger und digitaler Herkunft ordnet der Künstler zu Strukturen an, die für ihn einen Sinn ergeben. Dabei bewegt er sich ganz bewußt in den Traditionen der Abstraktion, des Surrealismus und von Dada.
Im Gegensatz zu ihren historischen Vorläufern, die meist im kleinen Zuschnitt verharrten, besitzen Dors Gemälde mittlere und große Formate. Sie wirken außerordentlich plastisch, suggestiv und geradezu hypnotisch.
Scheinbar Zusammenhangloses verschmilzt zu überzeugenden Kompositionen voller inhaltlicher Überraschungen und frappierender visueller Effekte. Eine Fülle von virtuos verknüpften Teilinformationen addieren sich zu einer vielschichtigen Einheit, deren kausale Zusammenhänge eher erspürt als rational begriffen sein wollen.
Grigori Dors Malerei reflektiert die Verwundbarkeit und Fragilität der individuellen menschlichen Existenz in unserem Zeitalter von Globalisierung und digitaler Gleichschaltung.

Point of no Return - Wende und Umbruch in der Ostdeutschen Kunst
Museum der bildenden Künste Leipzig

23. Juli - 03. November 2019

"Dreißig Jahre nach „1989“ ist es Zeit, aus der Perspektive der bildenden Künste auf die Friedliche Revolution in der DDR sowie den gesellschaftlichen Umbruch in Ostdeutschland zu blicken. „Point of No Return“ zeigt auf zirka 1.500 Quadratmetern mehr als 300 Werke aller Gattungen von 106 KünstlerInnen. Gerade Leipzig, als der symbolische Hauptort der Friedlichen Revolution, ist prädestiniert für die deutschlandweit erste große Exposition zu diesem Thema, die als wichtigste Ausstellung im 30. Jubiläumsjahr der Friedlichen Revolution gelten kann." MdbK Leipzig

Die Eröffnung findet am 22. Juli um 18 Uhr statt. In der Ausstellung werden u. a. Werke von Moritz Götze und Annette Schröter zu sehen sein.

Annette Schröter, Frau im Uniformkleid, 1983, Öl auf Hartfaserplatte, 150 x 90 cm

An dieser Stelle präsentieren wir Ihnen regelmäßig Kunstwerke, die eventuell bisher Ihrer geschätzten Aufmerksamkeit entgangen sind - diese aber ganz sicher verdient hätten. Wir kombinieren das mit einem unschlagbaren, aber ephemeren Preisnachlass. Mit anderen Worten - we will make you an offer you cannot refuse. A short one. Die Werke können Sie direkt über unseren Shop erwerben. 

Dieses Mal aus der aktuellen Ausstellung BIOTOP: Wieland Payer, Brand, 2019, Pastell, Aquarell und Kohle auf grundiertem MDF, 100 x 150 cm

Unsere Gesellschaft ist durch die Klimadiskussion sensibilisiert und jeder Waldbrand wird als Fanal wahrgenommen. Wieland Payers Gemälde „Brand“ ist dagegen metaphorischer Natur.
Die brennenden Bäume scheinen nicht von Flammen verzehrt zu werden, vielmehr senden sie Blitze, Strahlen und Funken aus. Auch Hotspots am Waldboden scheinen Energie zu emittieren.
Dieses ungewöhnliche Schauspiel hat etwas Erhabenes. Es verweist auf die Landschaftsmalerei der Romantik und ihr Anliegen, das Göttliche, das Metaphysische der Natur ins Bild zu setzen. Ebenso könnten Betrachter sich an Science-Fiction-Szenen erinnert fühlen. Beide Elemente, die europäische Malerei der Romantik und das Science-Fiction-Genre des ausgehenden 20. Jahrhunderts, gehören zum motivischen Fundus, der den Arbeiten von Wieland Payer zugrundeliegt.
Ein besonderes Verdienst Payers ist die Wiedereinführung der Pastellmalerei in die zeitgenössische Kunst. Das gelang ihm durch ihre neuartige Anwendung aufs Großformat, eine brillante Beherrschung und behutsame Weiterentwicklung der Technik, durch künstlerische Virtuosität und sein Gespür für faszinierende Themen.

Den Link zum Shop finden Sie hier.

Zum Künstler: Wieland Payer (*1981 in Erfurt) studierte an der Kunsthochschule Burg Giebichenstein Halle (Diplom, 2009), der Accademia di Belle Arti Rom (Erasmusstipendium) und am Royal College of Art in London (Stipendium der Studienstiftung und des DAAD, Master, 2011). Arbeiten des jungen Künstlers befinden sich in renommierten öffentlichen Sammlungen.

Photo Basel 2019

Zur Photo Basel präsentieren wir die kleine, aber auf den Punkt kuratierte Schau „Clockwork“ zum faszinierenden Umgang mit Raum und Zeit in den Oeuvres von Hans-Christian Schink (*1961 in Erfurt) und Hiroyuki Masuyama (*1968 in Tsukuba/Japan).

Hans-Christian Schink demonstriert das Verstreichen von Zeit und zugleich die Rotation der Erde, indem er den Weg der Sonne durch den Tag und über den Himmel auf frappierende und sinnliche Weise sichtbar macht. Seine Serie „1h“ schließt ein bisher unbewältigtes Kapitel der Schwarzweißfotografie glanzvoll ab und setzt zugleich Maßstäbe in puncto kompositorischer Perfektion.

Hiroyuki Masuyama widmet dem großen romantischen Maler Caspar David Friedrich (1774–1840) eine umfangreiche Werkfolge. Aus Tausenden von Detailfotografien konstruiert er Friedrichs Gemälde neu. Friedrichs frei imaginierte Szenarien erwerben die Glaubwürdigkeit fotografischer Abbilder. Phantasien des neunzehnten Jahrhunderts, betrachtet mit den Augen des einundzwanzigsten - eine spannende Zeitreise beginnt

„Die auf diese Art verschmolzenen Zeitebenen verdeutlichen einmal mehr: Kunst hat immer nur eine Gegenwart. Es ist die, in der das Denken über sie stattfindet." Michael Freitag

Photo Basel 2019

11. bis 16. Juni 2019
Volkshaus Basel | Rebgasse 12-14 | 4058 Basel, Schweiz

Private View (nur auf Einladung)
Montag, 10. Juni ab 18 Uhr

Öffnungszeiten
Dienstag, 11. Juni: 12 bis 21 Uhr
Mittwoch, 12. Juni bis Samstag, 15. Juni: 12 bis 20 Uhr
Sonntag, 16. Juni: 12 bis 18 Uhr

Hans-Christian Schink, 3/28/2010, 6:43 am – 7:43 am, S 08°27.131‘  E 119°52.396‘, Silbergelatineabzug auf Aludibond, gerahmt unter Museumsglas, Gesamtauflage 8 + 2 ap, 120 x 145 cm

Hans-Christian Schink, 2/21/2010, 7:00 pm – 8:00 pm, S 38°49.042‘ E 174°34.976‘, Silbergelatineabzug auf Aludibond, gerahmt unter Museumsglas, Gesamtauflage 8 + 2 ap, 120 x 145 cm

Hiroyuki Masuyama, Nebel (nach Caspar David Friedrich, 1807), 2018, LED Lightbox, Auflage 5, 34,2 x 50,2 x 4 cm

Hiroyuki Masuyama, Abend (nach Caspar David Friedrich, 1824), 2018, LED Lightbox, Auflage 5, 20 x 27,5 x 4 cm

Hiroyuki Masuyama, Gebirgslandschaft mit Regenbogen (nach Caspar David Friedrich, 1810), 2018, LED Lightbox, Auflage 5, 70 x 102 x 4 cm

Hiroyuki Masuyama, Ruine im Riesengebirge (nach Caspar David Friedrich, 1834), 2007, LED Lightbox, Auflage 5, 73 x 103 x 4 cm

Hiroyuki Masuyama, Mondaufgang am Meer (nach Caspar David Friedrich,1822), 2018, LED Lightbox, Auflage 5, 55 x 71 x 4 cm

Wir blicken auf die Lange Nacht der Museen 2019 mit Dana Meyer und Wieland Payer zurück. 

Fotos: Melanie Kanzler

Erasmus Schröter
Gegenspieler
11. Mai bis 11. August 2019
Kunstsammlugen Jena | Markt 7 | 07743 Jena

Die Eröffnung findet am 11. Mai 2019 um 19 Uhr in den Kunstsammlungen Jena statt.

"Im Mittelpunkt unserer Ausstellung stehen die beiden Folgen Komparsen und Contest. Das Personal ist jeweils männlich, darüber hinaus gibt es zunächst keine formalen noch inhaltlichen Gemeinsamkeiten. Und doch eint die Protagonisten der gemeinsame Wunsch nach Wahrnehmung und medialer Aufmerksamkeit, die Erasmus Schröter auf sehr unterschiedlichen Wegen in Bildfolgen übersetzt und von der Betrachtung individueller Schicksale ins Phänomenologische führt." Quelle: Kunstsammlungen Jena

Komparsen Mann 02, 2000, SW-Print/Diasec

Geierwally und der Berg in der zeitgenössischen Kunst

Die „Geierwally“ ist als fiktive Figur weltbekannt und Mittelpunkt zahlreicher Bücher, Verfilmungen, Opern und einprägsames Motiv unzähliger Darstellungen. Hinter dieser populären Erfindung verbirgt sich eine beeindruckende Frau, die tatsächlich gelebt hat und bisher eher wenig in den Fokus gestellt wurde: Die aus Elbigenalp im Tiroler Lechtal stammende Anna Stainer-Knittel (1841-1915) besuchte als eine der ersten Studentinnen die Vorschule der Kunstakademie in München. Nach der Studienzeit in der bayerischen Großstadt kehrte Anna Stainer-Knittel nach Tirol zurück, verdiente ihren Lebensunterhalt ausschließlich mit Malerei und avancierte zu einer angesehenen Innsbrucker Bürgerin.

Die Ausstellung zeigt Werke von Anna Stainer-Knittel,Hiroyuki Masuyama, Sven Drühl, Rainer Eisch, Birgit Jensen und Heike Weber 

Quelle: https://www.solingen-live.de 

Hiroyuki Masuyama
After J.M.W. Turner 1834 – 2019
9. Mai bis 28. Juli 2019
Giudecca Art District | 211-b Giudecca Island | Venedig

Hiroyuki Masuyama zeigt Werke der Turner-Serie in einer Soloshow im Giudecca Art District in Venedig. „After J.M.W. Turner 1834 – 2019” ist vom 9. Mai bis 28. Juli 2019 zu sehen.